Tribune 03/06/2012 à 09h44

Damien Hirst à la Tate Modern : « vanité » de l’art contemporain

Si une image devait suffire à représenter la carrière de Damien Hirst actuellement exposé à la Tate Modern de Londres (jusqu’au 9 septembre), ce serait cette photographie de l’artiste hilare aux côtés de la tête d’un cadavre dans un laboratoire d’anatomie de l’université de Leeds (« With dead head », 1991) présente dans la salle des premières œuvres avec également la toile qui préfigure sa longue série de pois multicolores (« Spot painting », 1986).

Hooligan façon Benny Hill

Tout est dit sur ce cliché de la carrière à venir d’Hirst : provocation crasse et esprit potache très britanniques, ou un mélange d’un Hooligan et de Benny Hill… Cette dernière référence n’est pas si osée quand on revoit les travaux vidéos présentés à la Tate, notamment le clip qu’il a réalisé pour le groupe de rock Blur (« Country House », 1995) qui comporte une poursuite burlesque finale en hommage évident à l’humoriste anglais.

Le clip de « Country House » de Blur

Damien Hirst devant « The physical impossibility of death in the mind of someone living », Tate Modern de Londres, le 2 avril 2012 (Carl Court/AFP)

Si cette exposition a bien un mérite, c’est de retranscrire parfaitement le malaise ressenti dans la plupart des œuvres provocantes de l’artiste qui ont fait sa renommée :

une tête de vache découpée et ensanglantée – réelle – avec des mouches qui grouillent tout autour – réelles aussi (« A thousand years »,1990) ;
des animaux conservés dans du formol, comme le très célèbre requin (« The physical impossibility of death in the mind of someone living », 1991),
les divers alignements de médicaments, de papillons, de cigarettes sur des étagères miroirs…

Gros canular ?

Toutes les explications « fumeuses » sur les œuvres de l’artiste qui serait – à en croire les critiques – obnubilé par la question de la mort, ne suffisent pas à faire disparaître la désagréable impression d’être victime d’un gros canular. Un peu comme si Boronali, auteur quadrupède du « Coucher de soleil sur l’Adriatique », n’avait jamais été démasqué…

Cette nouvelle farce a pu fonctionner grâce à l’aide bienveillante de milliardaires et d’institutions publiques terrifiés à l’idée de passer à côté de l’histoire de la création contemporaine, à l’image de leurs prédécesseurs vis-à-vis de l’art moderne au début du XX^e siècle et qui, du coup, se jettent sur tout ce qui fait du « bruit » et de la « fureur ».

La mécanique de la gloire

Pire, il s’agit bien souvent du résultat d’une simple spéculation financière. En effet, une fois enclenchée, la mécanique tourne comme un cercle vicieux :

l’artiste provoque gratuitement (pour rire ?) ;
une poignée de financiers choisit son poulain dont elle achète les premières œuvres et dont elle promeut l’image,
la cote monte,
le grand public suit,
la cote continue de monter,
l’artiste ne rit plus du tout quand il nous assène de justifications très sérieuses de son art et finance lui-même l’institution muséale qui monte une exposition « événement » à sa gloire, la cote finit de monter, la poignée de financiers a bien réussi son opération…

Le coup fonctionne très bien : il faut voir cette foule étonnamment familiale qui attend patiemment pour traverser le corps d’une vache scié en deux ( « Mother and child divided », 1993) ou pénétrer dans une salle remplie de vrais papillons ( « In and out for love », 1991).

« Découvert » ou plutôt « branded » par le publicitaire-galeriste anglais Charles Saatchi, Damien Hirst est ainsi devenu un artiste inabordable, réservé à quelques collectionneurs assez riches, et en même temps une icône populaire.

De simples produits financiers

Certains observateurs relativisent la modernité de cette fable économico-artistique, rappelant que finalement beaucoup d’artistes dans l’Histoire ont eu un lien privilégié et parfois ambigu avec l’argent.

Certes, mais la comparaison est disproportionnée car la dérive du mécénat généreux d’un prince, les ateliers classiques qui formaient de nouvelles générations d’artistes, ou l’apport de collectionneurs comme Ambroise Vollard, Paul Durand-Ruel, Ivan Morozov ou Serguei Chtchoukine, ne peuvent pas être honnêtement et sincèrement comparés à cette transformation contemporaine de l’art en simple produit financier, aux « usines » à produits dérivés dirigées par des artistes comme Murakami, ou à l’inanité de l’apport actuel de personnages plus spéculateurs que collectionneurs.

« Barnumization » de l’art

Dans ce sens, Marc Fumaroli parle de « Barnumization » de la conception dominante de l’art, du divertissement et des loisirs dans nos sociétés modernes… la perte de l’otium pour l’utilitarisme à tout crin, la théorie du « Transfert de l’Empire » (Peter Sloterdijk) entre l’Europe et les Etats-Unis appliquée à la culture. Observateur avisé de cette évolution, l’Académicien français regrette la perte de sens dans l’art contemporain :

« Les enjeux financiers énormes de ces brillantes fumisteries ne prêtent pas à sourire. Autant dire que le marketing et l’art, l’empaquetage et l’empaqueté, en sont venus à se confondre. » (« Paris-New York et retour », éd. Fayard, 2009)

Ce qu’en pensent Buren, Houellebecq

Interrogé par Le Monde à l’occasion de son exposition actuelle au Grand Palais, Daniel Buren rappelle une caractéristique propre à cette nouvelle génération d’artistes contemporains dont fait partie Hirst :

« Dans les années 80, tout s’est retourné. Les jeunes artistes se sont dit : “ Si, dans trois ans, je ne vis pas de mon œuvre, je retourne à la banque !” Ce qui nous a le plus étonnés, nous les anciens, c’est qu’ils y sont arrivés… Il y a ainsi des choses sur lesquelles je me suis bien trompé : jamais je n’aurais imaginé que le cynisme puisse être d’une telle force. »

Dans son dernier roman, Michel Houellebecq se moquait gentiment de ce même milieu dominé par un certain affairisme, avec un personnage qui devient un artiste célèbre en photographiant des cartes Michelin et dont la dernière œuvre picturale restée inachevée devait se nommer « Damien Hirst et Jeff Koons se partageant le marché de l’art » (« La Carte et le territoire », éd. Flammarion, 2010).

Le face à face est bien trouvé avec Damien Hirst dont la vente aux enchères se passant historiquement de l’intermédiaire de galeristes en septembre 2008 est enseignée aujourd’hui dans les business schools du monde entier, et un Jeff Koons longtemps trader de matières premières à Wall Street.

« For the love of gold »

T-Shirts à l’effigie de « For the love of gold » de Damien Hirst (Olivier Amiel)

Si une image devait enfin représenter le cynisme de l’exposition consacrée à Damien Hirst, ce serait celle de l’installation dans la profonde ancienne salle des turbines, où la Tate Modern a prévu une animation gratuite pour les visiteurs : pouvoir contempler le fameux crâne serti de diamants ( « For the love of gold », 2007), a priori invendable, donc inestimable, mais pourtant « acheté » 50 millions de livres par un mystérieux consortium auquel on apprendra plus tard qu’Hirst appartient lui-même...

Une mise en scène gothique et grandiloquente en guise de « produit d’appel » avec une file d’attente plus importante que devant « La Joconde » et comprenant un stand de souvenirs à la sortie qui fait partie du réseau de boutiques dont l’artiste est l’heureux propriétaire : « Vanité des vanités, tout est vanité »…

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